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Vrin
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Esthétique du son artificiel : genèse des musiques électroniques
Marc Battier
- Vrin
- Musicologies
- 20 Juin 2024
- 9782711631681
Cet ouvrage retrace les liens que des musiciens, des artistes, des poètes et des écrivains ont tissés avec
leur environnement sonore. Ce sont eux qui ont tenté, de façon pénétrante, de transformer les bruits
du monde, qu'ils soient naturels, industriels ou urbains, en les reflétant dans leur propre création. Le
livre retrace ainsi l'influence des observations des créateurs dans les interrogations qui conduisirent à
l'émergence des sons artificiels. C'est bien sûr la musique électroacoustique qui s'est le plus souvent
saisie de ces bruits du monde. Elle les a transformés en matériaux musicaux, et, se faisant, elle a recréé
les formes sonores et a induit de nouvelles façons d'écouter. En déroulant cet écheveau, ce livre examine
comment la musique concrète, d'abord, puis les diverses musiques électroacoustiques et l'informatique
musicale ont, à leur manière, répondu à la question de la maîtrise musicale des sons artificels -
La puissance de la musique est un thème rebattu. Nombreux pourtant sont ceux qui échappent à l'attraction des oeuvres les plus célèbres. Pour comprendre comment cet art peut se révéler tour à tour irrésistible et impuissant, il faut s'interroger sur son mode spécifique d'action. Plusieurs hypothèses ont été avancées à ce sujet, séduisantes mais contradictoires. Pour compléter ces analyses classiques, on propose ici d'explorer une autre voie : au lieu de faire tout reposer sur les intentions des compositeurs ou l'analyse des oeuvres, on a voulu privilégier le point de vue de l'auditeur et s'interroger sur le rapport très particulier entre l'objet musical et les émotions. Mais cette tentative n'a d'intérêt que si l'on ne se contente pas de les mettre en relation, c'est la manière dont l'auditeur accueille la musique et s'en empare qui apparaît comme l'élément décisif.
En Annexe, on trouvera une large revue des solutions variées que J.-S. Bach apporte à la relation entre le texte et la musique.
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Concerts en provinces sous Louis XV à la lumière des programmes imprimés
Florence Doé de Maindreville
- Vrin
- Musicologies
- 7 Novembre 2024
- 9782711631889
Cet ouvrage vise à éclairer de manière nouvelle les concerts dans les provinces françaises sous Louis XV
grâce à l'étude de petits programmes imprimés, redécouverts ces dernières années et éparpillés un peu
partout sur l'ensemble du territoire. Ces documents devenus rares aujourd'hui ont l'immense avantage
de contenir toutes les paroles chantées lors des séances musicales et offrent de nombreuses informations
qui jusqu'ici nous échappaient : date et déroulement des concerts, oeuvres jouées et parfois noms des
interprètes... Leurs données précises, combinées à d'autres sources - statuts et délibérations, almanachs,
partitions, etc. -, permettent en outre de réévaluer les relations des académies de musique avec les
institutions parisiennes et versaillaises, et de mettre en lumière l'existence de différents réseaux à travers
la France. Un catalogue détaillé des 200 programmes retrouvés à ce jour vient compléter cette étude. -
La messe en si mineur de Johann Sebastien Bach : Un "culte en esprit de vérité"
Philippe Charru, Christoph Theobald
- Vrin
- Musicologies
- 28 Mars 2024
- 9782711631094
La Messe en si mineur occupe une place unique dans l'oeuvre de Johann Sebastian Bach et, plus généralement, dans l'histoire de la musique. Certes, elle s'enracine dans les traditions musicales et spirituelles du cantor de Leipzig, mais elle présente aussi des écarts et discontinuités, souvent surprenants, dans sa construction, son écriture, son style. L'approche interdisciplinaire ici proposée permet de rendre compte de ces particularités, en suivant les mouvements multiples de la Messe en si mineur : « nous chercherons à comprendre comment ce que le texte dit, la musique le réalise dans le corps sensible de l'oeuvre », dévoilant ainsi la vision théologique, comme d'ailleurs le souci pédagogique, qui animent la Messe en si mineur.
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Jean Cocteau s'est toujours intéressé à la musique. Les 310 textes qui en témoignent se trouvent rassemblés ici pour la première fois en un volume; le premier date de 1910, le dernier de 1963. Divers thèmes récurrents y apparaissent : les Ballets russes, ses promoteurs, ses danseurs ou ses ballets (Diaghilev, Misia Sert, Léon Bakst, Vaslav Nijinsky, Ida Rubinstein, Salomé, Schéhérazade, L'Après-midi d'un faune); les compositeurs (Satie, Stravinsky, Ravel, Debussy, Le Groupe des Six); les artistes de variétés (Mistinguett, Marianne Oswald, Maurice Chevalier, Édith Piaf, Charles Trenet); le jazz, le music-hall. Et bien entendu, Cocteau s'étend aussi sur ses propres spectacles : Le Dieu bleu, Parade, Les Mariés de la Tour Eiffel, Le Boeuf sur le toit, Le Jeune Homme et la Mort. Cette édition critique fournit pour l'ensemble de ces textes les variantes significatives des manuscrits et des différentes publications. D'abondantes annotations restituent le contexte des personnes et des oeuvres citées. L'ouvrage est accompagné de 137 illustrations originales de la main du poète.
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Analyser le langage tonal? Oui, mais par où commencer?
Cet ouvrage propose une stratégie progressive et pédagogique dans la découverte analytique du discours de la musique tonale, de Bach à Wagner (et un peu plus). Partant des éléments les plus fondamentaux de l'édifice musical, la note, la clef, l'armure, l'auteur nous amène à visiter tous les étages de cette architecture : l'accord, la cadence, l'ornementation, la phrase, la période nous conduisent progressivement jusqu'à la forme globale de l'oeuvre : la sonate, la fugue, le concerto. À travers ces étapes, chaque phase est illustrée de nombreux exemples musicaux tirés du répertoire baroque, classique ou romantique, afin que la découverte analytique soit sans cesse enrichie par les plus beaux exemples du répertoire. -
L'interrogation qui anime cette réflexion de l'auteur, « qu'est-ce que la musique? » présuppose de manière fondamentale que, si la musique est en tout premier lieu quelque chose qui s'écoute et qui cause chez l'auditeur une réaction affective, elle est également susceptible de conceptualisation. En effet, poser cette question, c'est se situer non plus dans la sphère d'immédiateté de l'émotion, mais bien plutôt dans le domaine de la médiation du discours et du concept. En d'autres termes, l'auteur se propose ici de penser la musique.
Il apparaît ainsi au fil de cette étude que, contrairement à l'idée naïve de musique comme objet de perception immédiate et en cela en dehors de tout processus réflexif, celle-ci doit être considérée en tant qu'objet de connaissance : on apprend à décrypter une musique, à la reconnaître et à l'aimer. Bien plus, la musique est vectrice d'intention : celle du compositeur, du chef d'orchestre, des interprètes... Relativement à cela, l'auteur s'attachera par conséquent à distinguer les discours légitimes de ceux qui ne sont pas effectifs. -
L'essor du romantisme : la fantaisie pour clavier ; de Carl Philipp Emanuel Bach à Franz Liszt
Jean-Pierre Bartoli, Jeanne Roudet
- Vrin
- Musicologies
- 19 Novembre 2013
- 9782711624737
Les Fantaisies de Mozart, Chopin et Schumann, la Wandererfantasie de Schubert sont aujourd'hui bien connues et font partie du répertoire des virtuoses. Ce n'est que l'infime partie d'une impressionnante production d'oeuvres pour clavier qui ont pris pour modèle la pratique de l'improvisation, capitale au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Ce livre propose de redécouvrir la richesse d'un genre en observant non seulement les oeuvres les plus célèbres, mais encore des partitions oubliées et pourtant passionnantes.Au-delà de l'histoire du genre, il s'agit ici de percevoir en cinq récits parallèles l'essor inexorable d'une esthétique qui nourrit la création pendant une centaine d'années. L'esprit de fantaisie et l'écriture improvisatrice pénètrent les autres genres, à commencer par les sonates les plus significatives de Haydn, Beethoven et Schubert, et propagent une pensée musicale nouvelle : celle du romantisme.Ce volume remet en cause nombre d'idées reçues et présente une relecture de la période trop souvent décrite en une succession de ruptures. Plus que tout autre genre instrumental, la fantaisie, où se sont rencontrées l'expression de la spontanéité et celle de la singularité, a été continûment le lieu d'élection du génie, paradigme de la création constamment invoqué depuis l'époque de Rousseau jusqu'à celle de Hoffmann et Victor Hugo.
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Composer au XXIe siècle ; pratiques, philosophies, langages et analyses
Collectif
- Vrin
- Musicologies
- 7 Décembre 2010
- 9782711623143
Ce livre rassemble les réflexions de musicologues, sociologues, créateurs et chercheurs-créateurs s'interrogeant sur les conditions d'existence liées au métier du compositeur dans la société d'aujourd'hui. Y sont confrontées différentes analyses et investigations du domaine musical par le compositeur en caractérisant des tendances, des profils individuels d'activité et des identifications au métier. Le mot « compositeur » est donc envisagé dans ses différentes acceptions : les chercheurs tiennent compte des traditions (et de leur poids) qui accueillent les compositeurs, du renouvellement d'une grande part de leur univers sonore grâce au progrès technologique, des transformations et des stratégies compositionnelles à l'oeuvre; ils restent également attentifs au tracé d'une réelle volonté discursive. Les travaux publiés dans le présent volume posent donc les jalons de « l'état » et de « l'être » compositeur, montrant ainsi que composer à notre époque révèle un objet d'étude bien plus complexe qu'une simple grille de classification des tâches prescrites par les institutions.
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Les relations entre les arts constituent un des traits marquants du vaste courant de renouvellement esthétique qui traverse l'Europe durant la fin de siècle et trouve à Bruxelles une scène particulièrement propice. Aucun ouvrage n'avait encore été exclusivement consacré à cette foisonnante convergence des arts par laquelle artistes, compositeurs et écrivains se trouvent emportés dans un même mouvement qui aboutit à des oeuvres raffinées où la musique et la littérature acquièrent une présence sensible. Ce volume collectif se propose ainsi d'étudier les modalités explicites et implicites de l'intermédialité. La notion de convergence prend également une seconde signification. L'histoire culturelle a analysé le rôle des grandes capitales dans l'essor de la fin de siècle. Si Paris, Berlin, Londres et Vienne ont fait couler beaucoup d'encre, en revanche, peu d'ouvrages ont étudié la place de Bruxelles dans la circulation des oeuvres d'art et dans le rayonnement des artistes sur l'échiquier européen. La capitale belge est ainsi envisagée comme un acteur historique à travers lequel les courants, les réseaux relationnels, les artistes trouvent un point de convergence situé au coeur de l'espace européen.
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Quelques jours après la mort de Massenet, survenue le 13 août 1912, l'éditeur Pierre Lafitte fait paraître les Mémoires du compositeur, intitulés Mes souvenirs. Massenet y retrace les grandes étapes de sa carrière artistique et les principaux événements qui ont marqué son existence : de sa formation à la création de ses oeuvres majeures, l'auteur adulé de Manon nous livre le portrait d'un artiste prolifique, couvert de gloire et témoin de profonds bouleversements artistiques. Il se montre cependant souvent complaisant et jette un voile pudique sur les échecs, cabales ou critiques qu'il dut affronter, sa musique, loin de faire l'unanimité, suscitant des passions encore plus ou moins vives aujourd'hui. Aussi Mes souvenirs furent-ils rapidement considérés comme un texte apocryphe et donc peu fiable.
En se fondant sur de nouvelles sources, le présent ouvrage rectifie ou précise certains points. Il apporte également la preuve que le compositeur a bien lui-même écrit son texte - ou du moins largement supervisé leur publication - en adoptant un style à la fois nostalgique et mondain en phase avec celui de nombreux ouvrages similaires et publiés à la même époque.
Les articles, réponses aux enquêtes et discours du compositeur, jusqu'à présent dispersés et souvent méconnus, complètent ce volume qui permet de mieux saisir la personnalité humaine et artistique d'un acteur important de l'histoire du théâtre lyrique.
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Musique, disque et radio en pays francophones : 1880-1950
Michel Duchesneau, Federico Lazzaro, Collectif
- Vrin
- Musicologies
- 23 Mars 2023
- 9782711630769
Cet ouvrage se propose d'explorer les conditions techniques, économiques, politiques et culturelles qui ont mené le disque puis la radio à changer radicalement le rapport des musiciens et des auditeurs à la musique dans un temps relativement court, quelques décennies, entre 1900 et 1950. Si le moyen de graver les sons sur cylindre puis sur disque apparaît dès la fin des années 1870, c'est avec le XXe siècle et l'évolution des technologies de l'enregistrement qu'il devient un outil extraordinaire de diffusion de la musique. La radio arrive dans les foyers au tout début des années 1920 et en une dizaine d'années provoque une nouvelle révolution médiatique. La musique compte désormais sur le disque et la radio pour sa diffusion auprès d'un public qui ne cessera de s'élargir au fil des décennies.
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Darius Milhaud ; compositeur et expérimentateur
Jacinthe Harbec, Marie-noëlle Lavoie
- Vrin
- Musicologies
- 27 Octobre 2014
- 9782711625277
L'oeuvre monumentale de Darius Milhaud (1892-1974) retrace la trajectoire d'un compositeur de son temps, conscient des enjeux esthétiques de la modernité musicale française. Figure de proue de la polytonalité, membre du Groupe des Six, Milhaud n'a cessé tout au long de sa carrière d'expérimenter des avenues compositionnelles novatrices. Sa nature profondément inventive, conjuguée à une constante ouverture d'esprit aux arts et aux lettres, l'amène à se tailler une place de choix parmi ses contemporains de la scène musicale internationale.
Les onze études rassemblées ici permettent de découvrir de nouveaux aspects de la production et de la personnalité créatrice du compositeur français. Divisé en trois parties, l'ouvrage s'ouvre sur la figure de l'« expérimentateur » chez Milhaud, saisissable depuis ses premiers essais polytonaux, jusqu'aux compositions aléatoires de maturité en passant par des partitions montrant de véritables innovations dans le domaine vocal. La deuxième partie gravite autour de la question des rapports particuliers que Milhaud entretient avec ses contemporains, en l'occurrence Maurice Ravel et Charles Koechlin, ainsi qu'avec le couple brésilien Nininha et Oswaldo Guerra. La dernière partie se consacre au contexte sociopolitique français des années 1930 où Milhaud est confronté à de nouveaux défis esthétiques à travers ses collaborations pour le Front populaire, le théâtre et le film. En plus de présenter de nombreux documents d'archives inédits (lettres, correspondances, programmes de concert et documents iconographiques), ce collectif jette un regard critique sur des oeuvres généralement ignorées, et tout particulièrement celles écrites pour la voix, la scène, le ballet et le cinéma. -
La voix au-delà du chant ; une fenêtre aux ombres
Danielle Cohen-Levinas
- Vrin
- Essais D'art Et De Philosophie
- 28 Avril 2006
- 9782711618118
Pourquoi la voix exerce-t-elle un attrait irrépressible et souvent inclassable dans la vie musicale, et pourquoi est-elle un lieu privilégiée de la réflexion esthétique au moment précis où le monde de la composition rencontre celui de la recherche scientifique et technologique? Danielle Cohen-Levinas propose d'interroger les diverses modalités qui font de la voix un enjeu simultanément musical et philosophique. La voix ouvre en effet sur un horizon indescriptible et irreprésentable. Sur l'échiquier historique de la composition, elle se déplace, tantôt reconnaissable, tantôt irreconnaissable, de sorte qu'elle semble ne jamais totalement s'abstraire de la pensée sur le musical, le texte, le timbre, la forme, le modèle, les supports. Derrière toute expérience musical se cacherait un visage vocal.
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La steppe musicienne ; analyses et modélisation du patrimoine musical turcique
Frederic Leotar
- Vrin
- Musicologies
- 21 Octobre 2014
- 9782711625505
La steppe eurasienne n'a cessé de fasciner les voyageurs, missionnaires, archéologues et historiens. Or, leurs récits anciens laissent peu de place à la description des traditions musicales. Même si la documentation ethnomusicologique s'est enrichie depuis les années 1950, et surtout après la chute de l'empire soviétique, aucune étude d'envergure n'avait été, jusqu'ici, consacrée à la systématique de ces musiques. Ce livre propose donc une méthodologie novatrice pour l'étude des répertoires turciques d'Asie intérieure. À partir de matériaux recueillis sur le terrain, l'auteur dévoile le fonctionnement de pièces musicales appartenant aux différents répertoires de la vie quotidienne et rituelle, et qu'il a recueillies auprès des populations touvas, kirghizes, ouzbèkes, kazakhes et karakalpakes. Fondamentalement comparative, cette entreprise intègre également des données paramusicales et conceptuelles à l'analyse formelle considérée ici comme une voie privilégiée pour accéder aux structures inconscientes de « l'homme-musicien ». L'étude est accompagnée de nombreux tableaux, d'un cahier d'illustrations et d'un site internet où sont consultables l'ensemble des exemples audios et vidéos.
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écoles de Paris en musique, 1920-1950 ; identités, nationalisme, cosmopolistisme
Federico Lazzaro
- Vrin
- Musicologies
- 20 Novembre 2018
- 9782711627684
L'expression « École de Paris » est née dans le milieu des arts visuels des années 1920 pour désigner les artistes étrangers installés dans la métropole. Ensuite appliquée à la musique, elle a été employée pour indiquer des réalités aussi différentes qu'un groupe de compositeurs immigrés à Paris dans l'entre-deux-guerres (C. Beck, T. Harsanyi, B. Martin?, M. Mihalovici, A. Tansman et A. Tchérepnine) et l'ensemble de tous les compositeurs de toute époque ayant vécu au moins une partie de leur vie dans la Ville Lumière.
Une enquête à travers la presse, les correspondances, les émissions radiophoniques, les partitions et les ouvrages savants reconstruit les origines, l'histoire et les enjeux de cette étiquette polyvalente (d'où le pluriel du titre). Un nouveau regard sur la réalité cosmopolite du Paris musical de l'entre-deuxguerres est ainsi offert au lecteur : xénophobie, internationalisme, défense du « génie de la race » et fascination pour l'exotisme coexistent dans le discours et dans les faits. Cet ouvrage éclaire les enjeux concernant la place occupée par les oeuvres des compositeurs étrangers à Paris au sein de la musique « française », offrant ainsi un regard inédit sur l'histoire de l'immigration en France. -
Jeune pousse du monde lyrique l'opéra jeune public occupe une place grandissante dans la programmation des maisons d'opéras en Europe depuis les années 1980. Tributaire du triangle « institution lyrique - primo spectateur - création contemporaine », ce genre s'articule autour d'une question culturelle essentielle : comment transmettre, partager et moderniser un héritage culturel tel que celui de l'opéra auprès du jeune public? À travers leurs créations, les réponses des créateurs soulèvent d'autres interrogations, notamment celles de la manière de percevoir et de concevoir l'enfance, tout comme celle de rôle de l'éducation artistique au sein de nos sociétés contemporaines et finalement celle de la dimension commerciale des projets culturels dans le monde d'aujourd'hui. Pour tenter quelques réponses à ces questions, l'auteure explore le monde de l'opéra jeune public en analysant la rencontre singulière entre le monde enfantin et le monde de la création contemporaine. Une enquête à l'échelle européenne permet par-delà les spécificités nationales de faire apparaître les préoccupations communes des créateurs, des programmateurs et des éducateurs et offre une perspective inédite sur la réception des oeuvres par les enfants-spectateurs.
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Musique et musiciens à Paris pendant la Grande Guerre : les chemins du patriotisme
Charlotte Segond-genovesi
- Vrin
- Musicologies
- 20 Janvier 2022
- 9782711629893
« Le formidable bruit de la guerre avait d'abord étouffé toute musique. Ouvrir un piano semblait, sinon un crime, du moins une offense » (André Geiger, 1915). À l'été 1914, l'irruption de la Grande Guerre met un terme brutal à la vie artistique parisienne. Après quelques mois, concerts et représentations réinvestissent pourtant la capitale autour d'artistes « du front domestique » qui entendent participer à l'effort de guerre par des voies qui restent souvent à inventer. Qu'est-ce qu'« être musicien professionnel » à Paris durant la Grande Guerre? Comment ces musiciens « font-ils la guerre »?Grâce à une documentation largement inédite, ce livre explore la vie musicale parisienne des années 1914-1918 à travers les trajectoires, les postures et les paroles de ses acteurs - mais aussi à travers ses institutions, son économie, ses dimensions symboliques et psychologiques, ses lieux de musique... sans oublier les oeuvres arrangées ou composées, qui sont autant de reflets d'un monde partagé entre élans patriotes et meurtrissures profondes. Cette plongée dans le Paris musical de la Grande Guerre permet de mesurer le poids de l'événement sur l'histoire musicale du XXe siècle.
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Ernest Van Dyck et Jules Massenet ; un interprète au service d'un compositeur
Jean-Christophe Branger, Malou Haine
- Vrin
- Musicologies
- 27 Mai 2014
- 9782711625475
Le présent ouvrage rassemble de nombreux documents concernant Jules Massenet et le ténor belge Ernest Van Dyck, éminent interprète wagnérien, mais aussi créateur du rôle-titre de Werther en 1892. La relation entre ces deux artistes reste en effet singulière dans l'histoire de la musique, car, outre son interprétation des rôles de Des Grieux (Manon) ou d'Araquil (La Navarraise), le ténor fournit au compositeur le livret d'un ballet, Le Carillon, créé quelques jours après Werther. De nombreuses sources méconnues, annotées et précédées d'une introduction, retracent cette collaboration entre Massenet et son interprète qui s'étend entre 1890 et 1912 : correspondances, transcription annotée du livret du Carillon et souvenirs dans lesquels le ténor évoque ses relations avec Massenet. L'ensemble enrichit la connaissance concernant un compositeur et un des interprètes majeurs de l'époque, mais permet aussi de cerner les rouages d'une collaboration entre un compositeur, ses collaborateurs (librettiste ou chanteur) et de nombreux directeurs de théâtre au tournant des XIXe et XXe siècles. L'ouvrage est abondamment illustré de documents d'époque : portraits, partitions, dédicaces, Van Dyck et autres artistes lyriques dans leurs costumes de scènes.
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Lettres de Franz Liszt à la princesse Marie de Hohenlohe-Schillingsfurst, née Sayn-Wittgenstein
Franz Liszt, Pauline Pocknell, Malou Haine, Nicolas Dufetel
- Vrin
- Musicologies
- 18 Février 2011
- 9782711623150
En 1847, Franz Liszt (1811-1886) abandonne sa brillante carrière de virtuose pour se tourner vers la composition, la direction d'orchestre et l'enseignement. Il se lie alors à la princesse Carolyne de Sayn-Wittgenstein avec laquelle il s'installe à Weimar. Il se prend d'affection pour sa fille, la princesse Marie (1837-1920) avec laquelle il entretient une correspondance jusqu'à sa mort. La jeune princesse assiste aux réunions de l'Altenburg où se pressent des artistes, écrivains et musiciens parmi les plus renommés. Les peintres Kaulbach, Scheffer et Schwind immortalisent ses traits. Installée à Vienne après son mariage avec le prince Constantin de Hohenlohe-Schillingsfürst, futur grand maître de la cour de l'empereur François Joseph, la princesse Marie entretient à son tour un salon prisé et devient une personnalité très influente.
Les lettres publiées ici pour la première fois en français, leur langue originale, sont une source exceptionnelle de renseignements sur Liszt, ses proches et le gotha européen. De plus, elles offrent une chronique inédite de la vie musicale, artistique et intellectuelle de l'époque. -
Liszt et la France ; musique, culture et société dans l'Europe du XIX siècle
Collectif
- Vrin
- Musicologies
- 4 Octobre 2012
- 9782711623693
Les liens entre Franz Liszt (1811-1886) et la France s'étendent de 1823 à 1886. De son arrivée a Paris à l'âge de douze ans jusqu'à son triomphe au Trocadéro quelques semaines avant sa mort, sa vie privée, sa carrière de compositeur et d'interprète, son oeuvre et son inspiration témoignent d'un lien particulier avec la patrie de Voltaire. Si le compositeur hongrois peut être considéré comme faisant partie du patrimoine culturel français, sa relation à la France est loin d'être exclusive et reste à l'image de la place de la France dans le monde du XIXe siècle : elle ne peut être considérée sans l'étroite dialectique avec les autres pays importants pour sa carrière et son inspiration (Allemengne, Hongrie, Italie), plus largement la culture et la société européennes. Sa relation avec Marie d'Agoult, ses échanges avec les artistes, les musiciens, les hommes de lettres, les hommes politiques français, ses nombreux concerts à Paris et en province, et naturellement la langue française qui fut sa préférée, figurent parmi les exemples bien connus. Mais les liens de Liszt avec la France touchent aussi à des questions fondamentales de politique, de transferts culturels, de médiations, de réception, de littérature, d'édition, de réception, d'inspiration, d'analyse, de style, etc. Les textes de ce volume, dus à des spécialistes d'horizons divers, offrent des études approfondies sur des sujets la plupart du temps inédits. Ils traitent de questions historiques, sociales, esthétiques et analytiques et proposent une approche sans précédent des liens entre Liszt et la France dans son contexte européen.
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Généalogies du romantisme musical français
Olivier Bara, Alban Ramaut
- Vrin
- Musicologies
- 21 Juin 2012
- 9782711623716
La vie musicale entre 1787 et 1830, de la mort de Gluck à la création de la Symphonie fantastique de Berlioz, délimite l'espace d'investigation, autant chronologique que géographique, de cet ouvrage. Sur quelles lignes de force a pu se construire une conscience romantique musicale dans la capitale française jusqu'à l'affirmation de 1830?
Diverses approches croisées entre spécialistes de la littérature, historiens et musicologues articulent, à partir de cette question, le dialogue ici proposé.
Une enquête lexicale puis philosophique autour du mot « romantisme », de ses significations pour la critique et de ses matérialisations sonores, fonde l'échange. L'ouvrage s'applique ensuite à mettre en lumière les liens complexes qui unissent les générations successives ou contemporaines. La transmission intergénérationnelle passe par les figures tutélaires que furent Beethoven, Méhul et Rossini, Berlioz et Gluck, mais aussi par la nouvelle figure du chef d'orchestre. Le romantisme naissant est enfin ressaisi à partir de ses géographies réelles ou imaginaires : l'Europe du nord, avec Ossian et Walter Scott, les parcours de musiciens entre France, Italie et Allemagne, avec Cherubini et Spontini, le glissement des pays archaïques et mythiques aux contrées plus réelles dans les livrets d'opéra de Rossini, l'ouverture d'un romantisme européen avec Stendhal, l'attention même aux musiques extraeuropéennes avec Lamartine.
Plus souvent construites que subies, ces « généalogies » du romantisme musical français, contribuent à révéler l'identité parisienne d'un phénomène européen, ouvert et interrogateur. -
Instruments de résurrection ; études philosophiques de la Passion selon saint Matthieu de J.-S. Bach
Thomas Dommange
- Vrin
- Essais D'art Et De Philosophie
- 12 Septembre 2010
- 9782711622924
La Passion selon saint Matthieu est à la fois une oeuvre liturgique et un spectacle d'opéra. On étudie ici les conséquences philosophiques d'une telle affirmation. On se demande notamment si ceux qui viennent entendre la Passion font une communauté de fidèles ou une foule de spectateurs, et quelle est la nature d'une communauté forgée conjointement à coup de chorals et d'arias. Une telle interrogation sur la nature du commun demandera de dénouer le rapport tissé dans l'oeuvre entre le Salut et le merveilleux d'un côté, la joie et le plaisir de l'autre. On verra alors que si J.-S. Bach mêle intimement les éléments du culte avec ceux de l'opéra, c'est pour remplir une fonction métaphysique qui est peut-être aujourd'hui celle de tout spectacle : produire, à l'aide de machines, le corps glorieux de la théologie chrétienne.
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Le conservatoire national de musique et de déclamation 1900-1930 ; documents historiques et administratifs
Anne Bongrain
- Vrin
- Musicologies
- 20 Mars 2012
- 9782711623983
Cet ouvrage fait suite à celui - fondamental - de Constant Pierre sur la vie pédagogique et administrative du Conservatoire au XIXe siècle.La nouvelle période étudiée, au coeur de laquelle se trouvent les quinze années du directorat de Fauré, montre l'évolution remarquable de l'institution, avec son cortège de réformes qui la plongent résolument dans le XXe siècle. S'appuyant sur les fonds d'archives peu explorés, le présent ouvrage offre de nombreuses données inédites de base, sorte de mémoire « objective », qui devraient permettre l'éclosion de travaux fructueux sur la vie du Conservatoire : son fonctionnement, ses missions, ses questionnements, son rayonnement.La liste des membres des jurys, par exemple, voit défiler tout ce qui compte alors à Paris comme chanteurs, acteurs, virtuoses, compositeurs et directeurs de théâtres. Celle des professeurs est tout aussi prestigieuse et celle des lauréats montre la qualité indiscutable de l'enseignement. Les morceaux de concours donnent, eux, un aperçu très révélateur du goût de l'époque. Quant aux discours prononcés lors de l'événement très couru qu'est la distribution annuelle des prix, ils rappellent les événements majeurs de ce début de siècle, en particulier la Première Guerre mondiale qui, par les nombreux élèves « morts au Champ d'Honneur », va endeuiller le Conservatoire. Mais, tourné résolument vers l'avenir, le discours de 1930 évoque avec enthousiasme les nouvelles inventions que sont le disque et la T.S.F.