De 1947 à 1985, Pierre Boulez et Pierre Souvtchinsky ont entretenu une correspondance riche et passionnée qui témoigne d'une grande complicité. Pour Souvtchinsky, mécène d'origine russe et homme de lettres, le génie de Boulez s'impose comme une révélation : il parle de lui comme d'un " sauveur ". À cet interlocuteur privilégié et dévoué, Boulez écrit : " Nous sommes liés par plus que de l'amitié. "
Leurs échanges font revivre la naissance et le développement du Domaine musical, la genèse de certaines oeuvres de Boulez comme
Le Marteau sans maître ou
Pli selon pli, les débuts de sa carrière de chef, ses voyages en Amérique du Sud avec la Compagnie Renaud-Barrault, son engagement politique. Ils sont traversés par des polémiques et un moment de crise chargé d'affects qui implique aussi Stravinsky.
Curieux l'un de l'autre, Boulez et Souvtchinsky débattent de questions esthétiques qui touchent aussi bien la musique que la littérature et la peinture. Leurs jugements tranchés révèlent leurs personnalités respectives.
Pour contextualiser ce dialogue, la correspondance est enrichie d'un commentaire critique et de documents inédits. Lire la suite Fermer

Vous ne pouvez pas savoir ce que ça fait de porter un nom qui n'est pas le sien. La vie a refusé à Eunice Waymon d'être la première pianiste classique noire du monde, mais Nina Simone est devenue l'une des plus grandes divas de tous les temps. Proche des poètes, elle a donné sa voix à la cause du peuple noir, celle des femmes en particulier, et créé un style qui s'affranchit des catégories, incrustant les thèmes de Bach ou Chopin dans ses songs, renversant les paroles de Bob Dylan. Libre, sans peur, follement aimée, Nina reste pourtant la petite fille blue de son premier album.




Pianiste et compositrice née Eunice Waymon à Tryon (Caroline du Nord) en 1933, Nina Simone s'est éteinte à Carry-le-Rouet en 2003. Elle venait de recevoir le titre de docteure honoris causa en musique du Curtis Institute. Lire la suite Fermer

Erik Satie naît Éric avec un C. En 1884, il compose Allegro, sa première oeuvre inspirée de l'air populaire Ma Normandie , et décide d'écrire son prénom avec un K pour souligner son ascendance viking mystérieuse. Entre Montmartre et Arcueil, Erik Satie imagine un cirque musical : une partition pour bouteillophone, un tour d'escamoteur de notes, une femme-hercule tordant des barres de mesure entre ses mains. Un numéro d'hypnose.
Postulez en vous-même. Ouvrez la tête. Enfouissez le son.

Erik Satie que John Cage aimait d'amour.




Erik Satie, pianiste et compositeur, est né à Honfleur en 1866 ; il s'est éteint à Paris en 1925. À sa mort, ses amis découvrent dans sa chambre à Arcueil des milliers de bristols calligraphiés. Lire la suite Fermer

Violoniste et réalisateur, Bruno Monsaingeon a bâti une oeuvre de 100 opus mêlant portraits d'interprètes et de chefs d'orchestre, récitals et concerts symphoniques, masterclasses... Un parcours émaillé de coups de foudre musicaux et amicaux, ponctué de deux rencontres virtuoses : Yehudi Menuhin et Glenn Gould.
Sous le regard critique de Guillaume Monsaingeon, ces entretiens au long cours tiennent à distance biographie, monographie et catalogue raisonné. On y retrouve la verve d'un conteur, mais c'est aux films qu'il donne la parole en réalité. Porteurs d'un langage visuel autonome, ils offrent à l'auditeur ce à quoi il n'a pas toujours accès : le détail des notes et des gestes ; des images qui recréent l'énergie musicale et l'émotion qu'elle suscite pour mieux nous en rapprocher.
Écouter, peser, choisir, façonner : autant d'interprétations que Bruno Monsaingeon revisite dans ce dialogue et qui structurent son oeuvre, source d'archives pour le futur. Lire la suite Fermer

Les stradivarius - violons réalisés par le luthier Antonio Stradivari entre 1666 et 1737 - font l'objet d'une fascination durable et cette aura a depuis longtemps dépassé le strict champ musical. Comment ces instruments, façonnés à Crémone au milieu du XVIe siècle, sont-ils devenus les compagnons de prédilection des plus grands violonistes ? En retraçant l'histoire du violon italien sur quatre siècles, l'ouvrage éclaire le développement du « mythe Stradivarius » et les raisons de sa renommée. Il s'appuie sur la collection nationale française conservée au Musée de la musique, qui constitue un corpus de sources historiques importante pour l'histoire de la lutherie crémonaise.

Au milieu du XVIIIe siècle, l'on voit paraître en Allemagne un déluge de traités instrumentaux qui conjuguent théorie et pratique en s'adressant à un nouveau public d'amateurs. L'Essai de Bach publié à Berlin en 1753 est un traité pédagogique et esthétique sans équivalent, il connaît un succès exceptionnel. On y trouve mille enseignements adressés aussi bien aux différents joueurs d'instruments à clavier anciens qu'aux pianistes qui considèrent qu'interpréter un texte musical requiert une connaissance stylistique approfondie et une immersion dans les pratiques du passé. L'on sait que Haydn et Beethoven s'en servirent tant pour apprendre eux-mêmes que pour enseigner à leurs élèves.

Pierre Henry (1927-2017), pionnier des musiques électroniques, retrace l'ensemble de son oeuvre dans ces entretiens menés par Franck Mallet entre 1995 et 2016 : des objets sonores de son enfance à la naissance de la musique concrète dans le Paris d'après-guerre, des premiers opus au succès de Messe pour le temps présent, sans compter ses innombrables collaborations avec des chorégraphes, cinéastes, écrivains, plasticiens... Explorateur insatiable de nouvelles sensations musicales, oeuvrant nuit et jour sur ses consoles et dans le dédale de ses archives sonores pour faire vivre le son " éternellement ", Pierre Henry laisse une marque indélébile dans l'histoire de la musique.

Maître du temps et du timbre, Henri Dutilleux (1916-2013) a oeuvré dans des genres aussi éloignés que l'art symphonique ou la musique de film, de scène et de ballet. Passeur entre différents langages musicaux du XXe siècle comme entre plusieurs générations de musiciens et de mélomanes, il n'a cessé de prendre la plume ou la parole : hommages aux grands aînés (Beethoven, Schoenberg, Debussy, Ravel, Stravinski) et aux contemporains (de Poulenc à Jolivet en passant par Roland-Manuel, Nadia Boulanger et Pierre Schaeffer), entretiens, réponses à des enquêtes ou émissions radiophoniques. Ces textes apparaissent comme les balises d'une vie d'artiste sensible aux inscriptions dans la mémoire et, au-delà, retracent une histoire de la musique française à travers près de sept décennies (1941-2007). Le catalogue de l'oeuvre (soixante-treize notices) présenté dans la seconde partie de l'ouvrage témoigne d'une quête continue de formes toujours réinventées.
Si la voix d'Henri Dutilleux porte aujourd'hui encore dans l'esprit des jeunes musiciens de tous bords esthétiques, c'est parce qu'elle engage au mouvement et non à la doctrine ; à la reconnaissance d'un certain degré de liberté dans le domaine de l'art.
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A la manière d'une enquête policière, Claude Abromont multiplie et combine les angles d'approche autour de l'oeuvre musicale sans doute la plus singulière du romantisme : la Symphonie fantastique d'Hector Berlioz. Quel fil conducteur dissimule-t-elle ? Qui est cette bien-aimée que le compositeur représente à travers le thème musical qu'il nomme l'" idée fixe " ? Quel était au fond le secret de Berlioz ? Cette monographie y répond sous tous les aspects de l'oeuvre (contexte biographique, références littéraires, originalités stylistiques, trouvailles orchestrales, etc.), ainsi qu'en abordant des rivages inexplorés, tels la simulation de l'absorption du son par des tapisseries ou la tentative improbable d'une forme sonate féministe.
Enfin, avec cet ouvrage de référence sur le projet berliozien, Claude Abromont propose une vision renouvelée de la " musique à programme ", qui, en l'absence de paroles, communique un sens à l'auditeur par les seuls moyens expressifs de la musique instrumentale.
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Que l'on se place du point de vue de celui qui a la charge d'enseigner comme de celui qui a le désir d'apprendre, il est difficile d'échapper à la question des dons pour la musique. Le sens du rythme, la perception de la justesse, l'aisance instrumentale, le sens du son..., autant de dons a priori nécessaires mais rarement cumulés. Personne ne nie qu'il est plus confortable de bâtir l'édifice sur des qualités existantes ; mais que faire quand certaines semblent manquer ?
L'univers infini du temps musical s'explore peu à peu. Il serait dommage que l'interprète en reste à une vision primaire du rythme, se limitant à tenter de jouer en mesure. Dans son travail et sur la scène, le musicien est un véritable médiateur du temps. Tel l'égyptologue face à ses hiéroglyphes, il a une responsabilité majeure : il doit tenter de reconstituer, par sa compréhension de la partition, la vie rythmique intérieure du compositeur... qu'il lui faudra ensuite parvenir à transmettre au public.
Le propos de l'auteur, étayé par l'étude spécifique de quelques exemples musicaux, n'a pas vocation à imposer, pour modèle, sa propre vision de l'interprétation. Tout au plus a-t-il tenté de contribuer à la réflexion de chacun face à un texte musical.
Dans la pratique de la musique de chambre, le synchronisme et la fluidité reposent sur une vision commune du temps et de l'agogique. La qualité du discours musical en dépend. Certains interprètes s'appuient sur des intuitions rythmiques très pertinentes mais peinent à les expliquer à leurs partenaires, d'autres ressentent confusément un inconfort rythmique sans y trouver réponse. Peut-être auront-ils entrevu, dans la démarche proposée ici, un chemin vers leurs propres solutions ?
À travers la diversité des langages, on identifie peu à peu des spécificités et des traits communs. L'étude d'une nouvelle oeuvre nous offre ainsi, à coup sûr, l'opportunité de résoudre de nouvelles équations. À terme, les solutions finissent par s'additionner pour constituer un véritable patrimoine. Lire la suite Fermer

Ce livre d'entretiens avec le musicien Christophe Rousset, réalisés par Camille De Rijck, propose d'aborder les grands thèmes qui préoccupent un chef d'orchestre, témoin (depuis plus de vingt-cinq ans) des tribulations du monde de la musique ancienne. Sa pratique, son enseignement, les turpitudes du métier, le voisinage des metteurs en scène, la transmission, la facture instrumentale, l'économie subtile d'un ensemble baroque, la direction des Talens Lyriques et - plus essentiellement - la fréquentation de Mozart, de Couperin, de Monteverdi et de Bach.